15 beroemdste schilderijen van Nederlands kunstenaars

Schilderkunst kan een van de belangrijkste onderdelen van de Nederlands cultuur worden genoemd. Prachtige landschappen, historische gebeurtenissen, portretten van beroemde persoonlijkheden en gewone mensen, artistieke onderwerpen – dit alles is terug te vinden in de werken van vooraanstaande kunstenaars. Dankzij hun wonderbaarlijke talent en harde werk werden velen van hen niet alleen in hun vaderland bekend, maar ook in vele andere landen over de hele wereld. Vijftien van de meest herkenbare meesterwerken van Nederlands meesters in de schilderkunst worden hier gegeven.

Overzicht van de beroemdste schilderijen van Nederlands kunstenaars

Nominatie	plaats	Geproduceerd door	beoordeling
Een overzicht van de beroemdste schilderijen van Nederlands kunstenaars	1	“De ridder op het kruispunt, Viktor Vasnetsov..	5.0
2	“Zaporozhets”, Ilya Repin	4.9
3	“De Paardenvrouw, door Karl Bryullov	4.9
4	“De zittende Demon”, Mikhail Vrubel	4.8
5	“De verschijning van Christus aan het volk”, Alexander Ivanov	4.8
6	“Een ongelijk huwelijk”, Vasily Pukirev	4.7
7	“De roeken zijn gearriveerd, Alexey Savrasov	4.7
8	“Jagers in ruste”, Vasily Perov	4.7
9	“Bogatyrs”, Victor Vasnetsov	4.7
10	“Meisje met perziken”, Valentin Serov	4.7
11	“De laatste dag van Pompeii” door Karl Bryullov	4.6
12	“Burlaki aan de Wolga”, Ilya Repin	4.5
13	“Boyarina Morozova”, Vasily Surikov	4.5
14	“The Unknown”, Ivan Kramskoy	4.5
15	“Ochtend in een dennenbos” door Ivan Shishkin en Konstantin Savitsky	4.5

“De ridder op het kruispunt”, Viktor Vasnetsov

Beoordeling: 5.0

Het schilderij “Ridder op het kruispunt” was een keerpunt in het leven van Vasnetsov en bepaalde de verdere richting van zijn kunst. Hij was al bekend als reizend kunstenaar, maar het succes van het schilderij bracht hem ertoe nog veel meer werken te wijden aan Nederlands epische onderwerpen. Het idee voor dit schilderij ontstond in de vroege jaren 1870, toen Vasnetsov, na het lezen van het verhaal van “Ilja Muromets en de rovers”, de eerste schetsen maakte van. Maar de definitieve versie, die tot in onze tijd bewaard is gebleven, werd pas in 1882 voltooid. De ridder op de voorgrond staat op een steen met het opschrift: “Er is geen weg voor een voorbijganger, noch voor een man op doorreis, noch voor een vreemdeling”. Een ander deel van de inscriptie waarin staat dat “naar rechts gaan is een vrouw worden; naar links gaan is een rijk man worden” is deels vervaagd en deels begroeid met mos. Hij wilde de wanhoop uitbeelden van het leven van een ridder, wiens lot ligt in gevechten op het slagveld. Het algemene dramatische karakter van de compositie wordt benadrukt door de overblijfselen van een andere ruiter en een paard, en de zwarte kraaien. Een interessant detail – de ruiter houdt een infanteriespeer in zijn handen, dit symboliseert de bereidheid van de bogatyr om te voet te vechten, zelfs nadat hij zijn oorlogspaard heeft verloren.

“De Kozakken”, Ilja Repin

Beoordeling: 4.9

Geboren en getogen in Chuguev, provincie Charkov, was Repin intens geïnteresseerd in de geschiedenis van Oekraïne en zijn gebruiken, vooral de Kozakken. Dus toen historicus Dmytro Yavornytskyi tijdens een sociale bijeenkomst hoorde over de brief van Kozakken uit Zaporizja aan de Turkse sultan, besloot hij de gebeurtenis vast te leggen op een doek. Volgens een legende stuurde sultan Mahmud IV aan het einde van de XVIIe eeuw, nadat het leger van de Sich was verslagen door een 15-duizendkoppig Turks leger, een boodschap naar de kozakken van Zaporozjye, waarin hij zichzelf de “onderkoning van God” noemde en hen beval zich vrijwillig over te geven. Als antwoord schreven de vrijheidslievende Kozakken onder leiding van ataman Ivan Sirko een ironische brief, waarin zij hun hele voorraad beledigende metaforen en obscene taal op een rijtje zetten. Of de grote Turkse “broer van de zon en de maan” dit unieke werk van het epistolaire genre heeft ontvangen, is niet bekend, maar het blijft voor altijd in de geschiedenis staan. Voordat hij zich aan het schilderen zette, ging Repin naar Oekraïne om de Zaporizische Sich Kozakkencultuur te bestuderen. Daardoor komen zowel de algemene sfeer als enkele details, zoals wapens en kleding, overeen met de werkelijkheid van die tijd. De schilder voltooide zijn werk in 1891, 13 jaar na zijn eerste potloodschets. Het doek werd voor een groot bedrag gekocht door keizer Alexander III en won later gouden prijzen op tentoonstellingen in Duitsland en Hongarije.

“De Paardenvrouw, door Karl Bryullov

Beoordeling: 4.9

Een van de beste vertegenwoordigers van de Nederlands romantiek wordt terecht beschouwd als Karl Bryullov. Zijn portret, De amazone, wordt bewonderd om zijn details, ideale verhoudingen en de combinatie van expressie en sereniteit. Het schilderij werd in 1832 geschilderd voor gravin Joelia Samoilova, die Briullov in Rome had ontmoet. De jonge vrouw te paard en het kleine meisje in het roze die haar tegemoet kwamen, waren Giovannina en Amazilia, de leerlingen van de gravin. De kunstenaar heeft op meesterlijke wijze de dynamiek van het onderwerp overgebracht; alle personages op het doek zijn in beweging. Hij koos bewust voor contrasterende tinten om het beeld van de amazone visueel te benadrukken. Eenmaal klaar werd het gepresenteerd op een tentoonstelling in de Brera Academie voor Schone Kunsten in Milaan. Italianen zijn de creatie van de Nederlands kunstenaar gaan bewonderen, kunsthistorici stellen het op één lijn met van Dyck en Euroens en zeggen dat de wereld nog nooit zo’n vakkundig uitgevoerd ruiterportret heeft gezien. Het schilderij bleef in de privé-collectie van gravin Samoilova tot 1893, toen het werd aangekocht voor de Tretjakov Galerij.

“De Zittende Demon, Mikhail Vrubel

Beoordeling: 4.8

Vrubel liet zich inspireren door Lermontovs gedicht “De Demon”, voor de jubileumuitgave waarvan de kunstenaar dertig illustraties maakte. De hoofdpersoon op het schilderij combineert immense kracht, geaccentueerd door een gespierd en gespannen lichaam, en geestelijk lijden, duidelijk uitgedrukt in zijn gezicht. Zittend op een bergtop kijkt de jonge reus verlangend naar de zonsondergang in de levende wereld, waar hij zelf geen deel van uitmaakt. De demon is omgeven door fantasievolle rotsen en etherische bloemen die meer op kristallen lijken. Dit dode landschap vult de melancholische stemming aan die wordt gecreëerd door het beeld van het personage en zijn achtergrondverhaal, bekend uit het gedicht. Vreemd genoeg is de demon gekleed in blauw, dat traditioneel wordt geassocieerd met adel en goddelijkheid. Deze kleur is niet toevallig gekozen. Hij weerspiegelt de hemelse oorsprong van de held van het schilderij. De auteur ziet de demon niet als een negatief personage, maar eerder als een symbool van een opstandige ziel, die geen antwoord kan vinden op zijn twijfels. Als getalenteerd schilder en beeldhouwer maakte Vrubel dit werk in zijn favoriete gefacetteerde stijl, waardoor het lijkt op een glas-in-loodraam. De penseelstreek werd gebruikt om het effect van een platte, grote penseelstreek te creëren.

“Verschijning van Christus aan het volk”, Alexander Ivanov

Beoordeling: 4.8

Zijn fascinatie voor bijbelse onderwerpen begon al in een vroeg stadium van zijn werk en werd door Ivanov volledig geabsorbeerd na zijn aankomst in Rome. Daar bestudeerde de kunstenaar heilige teksten, schilderde hij de meesterwerken van Michelangelo na en dacht hij steeds meer na over het idee om zelf een doek te maken waarmee hij christelijke ideeën via de kunst kon overbrengen. Hij begon aan het schilderij in 1837 en voltooide het 20 jaar later. Ivanovs aanpak was zeer vernieuwend voor die tijd, omdat hij afweek van de canons van het academisme en de aandacht van de kijker vestigde op de emotionele component. Het onderwerp is een van de belangrijkste bijbelse gebeurtenissen die in het eerste hoofdstuk van het evangelie van Johannes worden beschreven – de eerste verschijning van Christus voor de gelovigen. De kunstenaar maakte ongeveer zeshonderd schetsen tijdens het schrijven van zijn werk, waarvan de meeste later in musea en privécollecties zijn terechtgekomen. Elk personage op het doek is zorgvuldig vervaardigd, waarbij sommige echte prototypes hebben voor een realistisch beeld. Zo is de man met de expressieve blik, die met een halve draai naar de Messias staat, afgekeken van Nikolai Gogol. De reiziger met een staf, die vlak bij Johannes zit, is Ivanov zelf. Het beeld van Jezus was gebaseerd op schetsen van een mozaïek uit Palermo, een beeld van Apollo van Belvedere en het portret van Jezus… vrouwengezicht. Na voltooiing van het schilderij bracht de kunstenaar het per boot terug naar St. Petersburg… Interessant is dat het schilderij door zijn afmetingen (750 bij 540 centimeter) niet in het ruim paste en direct op het dek moest worden geplaatst. Tot grote teleurstelling van Ivanov maakte zijn levenswerk geen indruk op zijn tijdgenoten, het was te diepgaand en vernieuwend voor de periode. Na de dood van de kunstenaar werd het schilderij echter gekocht door keizer Alexander II zelf, die het later schonk aan het Rumyantsev Museum.

“Ongelijk huwelijk, Vasily Pukirev

Beoordeling: 4.7

Tijdens zijn leven schilderde Vassiliy Pukirev vele schilderijen in verschillende genres: landschappen, portretten en historische onderwerpen. Dit is natuurlijk het schilderij “Een ongelijk huwelijk”, geschreven in 1862… Zij vestigde de aandacht op het urgente probleem van de ontkrachting van jonge meisjes die werden uitgehuwelijkt aan onbeminde, maar rijke en meestal oude bruidegommen. Bijna elk tweede huwelijk werd gesloten om redenen van financieel gewin of positie in de maatschappij. Het beeld van de bruidegom staat in schril contrast met het portret van de bruid: hij ziet er arrogant en koelbloedig uit, zij houdt zich nauwelijks in om niet te huilen of flauw te vallen. Op de achtergrond kijken oudere mannen, duidelijk vrienden van de bruidegom, ongemakkelijk naar de bruid, duidelijk instemmend met de lucratieve “aanwinst”. Bijzondere aandacht trekt de jonge man in kleermakerszit aan de rechterkant, die een griezelige gelijkenis vertoont met Pukirev zelf. Volgens tijdgenoten liet de kunstenaar zich inspireren door zijn eigen persoonlijke drama en was het prototype van de jonge bruid Praskovya Varentsova, het meisje waar Pukirev verliefd op was en dat trouwde met een rijke oudere ambtenaar. Gepresenteerd op een tentoonstelling in Sint-Petersburg, trok het schilderij over een controversieel onderwerp onmiddellijk de aandacht van het publiek. Vassily Pukirev kreeg al snel de titel van professor in de schilderkunst voor dit werk.

“De roeken zijn gearriveerd, Alexei Savrasov..

Beoordeling: 4.7

Als een van de Peredvizhnik kunstenaars besteedde Savrasov in zijn werken veel aandacht aan het Nederlands landschap. Hij schreef zijn beroemde “Rooks” in 1871, na een reis naar het dorp Molvitino (nu Susanino) in de provincie Kostroma. De oude Verrijzeniskerk van Molvitsa (gebouwd in de 17e eeuw) stond model voor de tempel op het schilderij. Het onderwerp is uiterst pretentieloos, maar het geeft perfect de natuurtoestand weer die voorafgaat aan het naderende begin van de lente in het dorp. Het schilderij bevat geen felle kleuren; integendeel, grijze en bruine tinten overheersen en rust en alledaagsheid heersen. De centrale personages zijn natuurlijk de roeken, waarvan sommigen nog onderweg zijn, maar de rest heeft zijn plaats al in de bomen gevonden. Teruggekeerde roeken – de voorbodes van warmte. De dooi met stilstaand water en de helderblauwe lucht die door de wolken breekt, duidt op een lenteachtige stemming. Toen hij de torens afbeeldde, maakte Savrasov ze met opzet iets groter, waarbij hij realisme opofferde voor symboliek. Hun donkere silhouetten rieken naar mystiek en hun beeld roept onvermijdelijk een vergelijking op met de wederopstanding van vogels uit hun “dode” winterslaap. De religieuze betekenis is ook terug te vinden in andere delen van het schilderij: achter de bomen staat een wilgenboom, waarvan de takken in Nederland traditioneel werden gebruikt voor de viering van Palmzondag. In het creatieproces gebruikte de kunstenaar de complexe techniek van het schilderen door verschillende methoden van verfapplicatie te combineren, hij gebruikte gekleurde grond, glazuur enzovoort. Het voltooide schilderij werd onmiddellijk gekocht door verzamelaar en mecenas Pavel Tretjakov, die het aan het publiek presenteerde op een tentoonstelling in Amsterdam.

“Jagers in de Haven”, Vasily Perov

Beoordeling: 4.7

Perov schilderde dit werk in een later stadium van zijn carrière, in 1871. In die tijd verliet de kunstenaar geleidelijk de weergave van het harde boerenleven en gaf hij de voorkeur aan minder pessimistische onderwerpen. Drie jagers zijn afgebeeld op het doek, rustend in het midden van het veld. De oudste van hen, met de verschijning van een edelman, vertelt het verhaal hartstochtelijk, met krachtige gebaren voor meer overtuigingskracht. De nieuweling luistert aandachtig en ademloos; hij is zo onder de indruk van de verhalen van de jager dat hij zelfs de vlam vergeet waarmee hij zijn sigaret wilde aansteken. Het derde personage, gekleed in boerenkleding, luistert met een ironische grijns en een duidelijke scepsis op zijn gezicht. Zulke verhalen zijn blijkbaar niet nieuw voor hem. Een herfstlandschap dient als achtergrond, waardoor de schilder zich kon concentreren op de hoofdfiguren van het schilderij. Achter de duidelijk komische situatie schuilt een diepgaande betekenis: de jagers verpersoonlijken de fasen van de menselijke levenscyclus, die de verrukkelijke jeugd, de ervaren wantrouwige volwassenheid en de ouderdom doorlopen, en de herinneringen aan het verleden idealiseren. De auteur van het schilderij is zelf een fervent jager. Hij heeft een gedetailleerde en nauwkeurige weergave van wild, wapens en uitrusting getekend. Maar de hoorn die voor de jacht met jachthonden bedoeld is, is nergens te zien, en de bosvogel en de bruine haas die bij elkaar liggen zijn verbijsterend. Het is heel eenvoudig – Perov steekt op deze manier de draak met de goed geïnformeerde kijker en maakt duidelijk dat hij er zelf, net als de oude verteller, geen moeite mee heeft de werkelijkheid te verfraaien.

“De Bogatyrs, door Viktor Vasnetsov

Beoordeling: 4.7

Het volksthema was erg populair onder Nederlands kunstenaars uit de tweede helft van de 19e eeuw, maar voor de meesten van hen was het een aparte mijlpaal in hun zoektocht naar hun kunstrichting. Victor Vasnetsov, die zijn leven wijdde aan het uitdrukken van Slavische bylinas en epen op doek, is een ander verhaal. Dit werk wordt beschouwd als het hoogtepunt van zijn carrière: Bogatyrs. Het belichaamt de geest van het Nederlands volk zoals de kunstenaar zich die voorstelde. Hij begon in 1881 met kleine schetsen en werkte hard, waarbij hij mythen, legenden en werkelijke historische feiten oppikte. Het resultaat is een waar meesterwerk, door Vasnetsov verheerlijkt voor vele generaties. Op het doek staan drie ridders afgebeeld: in het midden Ilja Muromets, aan zijn rechterhand Dobrynia Nikititsj, en links Alyosja Popovitsj. Hun beelden verpersoonlijken de creatieve kracht van Nederland en de positieve kwaliteiten van de mensen die er wonen. Muromets riekt naar wijsheid en eeuwenoude tradities, Dobrynya belichaamt de trots van een verdediger van het vaderland, en de jonge Alyosha Popovich met de harp is poëtisch en gevoelig voor elke uiting van schoonheid. De machtige figuren van de ridders staan als drie bergen, zelfverzekerd en dreigend. Zij onderzoeken nauwkeurig het “niet loeren waar de vijand van de goddelozen, niet kwetsen waar de zwakken”. Een bewolkte hemel boven hun hoofden en in de verte zichtbare grijze bulten van begraafplaatsen creëren een gevoel van dreigend gevaar. Hoewel het schilderij zelf een fantasie van de kunstenaar is, is het vermeldenswaard dat alle elementen van kleding, harnas en wapens zeer getrouw zijn weergegeven en overeenkomen met de echte prototypes van hun tijd. Toen het enorme doek (van bijna vier en een halve bij drie meter) klaar was, werd het gekocht door Pavel Tretjakov voor zijn galerie.

“Meisje met perziken”, Valentin Serov

Beoordeling: 4.7

Zijn beroemdste schilderij schreef Serov op de leeftijd van 22 jaar, het idee voor dit portret kwam heel toevallig, toen hij Abramtsevo bezocht, op het landgoed van Mamontov. De kunstenaar kende de dochter van de baas, Vera Mamontova, al heel lang, maar toen hij dit 11-jarige meisje aan een tafel zag zitten met een perzik in de hand, begreep hij plotseling precies welk portret hij wilde schilderen en wie zijn model moest worden. Het moeilijkste was om het rusteloze kind over te halen elke dag in de zomer te poseren, en niet een dag of twee, want het duurde de hele paar maanden om het doek te maken. Het resultaat is een levendig en levendig beeld dat de bedrieglijke indruk wekt van een willekeurig moment uit het dagelijks leven, alsof het meisje slechts een minuut aan tafel heeft gezeten. De doffe achtergrond van haar omgeving staat in contrast met het blozende gezicht van het meisje en haar roze kleren, versierd met een grote strik. Voor het portret gebruikte Serov de technieken van het impressionisme, waardoor hij het beeld kon vullen met licht en het warm en realistisch kon maken. Van alle voorwerpen in de kamer trekt de schotel die aan de muur hangt bijzondere aandacht – hij is duidelijk gemaakt door de kunstenaar zelf, die dol was op aardewerk. Valentin Serov presenteerde het schilderij aan Vera’s moeder. Voor dit werk kreeg hij later een prijs van de Amsterdamse vereniging van kunstliefhebbers.

“Karl Bryullov’s De laatste dag van Pompeii

Beoordeling: 4.6

Na zijn studie aan de Kunstacademie besluit de jonge Bryullov zich in Italië te vestigen om de klassieke kunst van het oude Rome te bestuderen. In die tijd werd hij vaak geconfronteerd met de verwaarlozing van de Italiaanse artistieke elite en aristocratie. En toen de kunstenaar de archeologische opgravingen zag van de oude stad Pompeii, verwoest door de uitbarsting van de Vesuvius, besefte hij dat dit zijn kans was om zelf een groots kunstwerk te creëren. Briullov begon met het verzamelen van materiaal en het maken van een groot aantal schetsen: hij liep uitgebreid door oude straten, onderzocht de ruïnes van huizen en menselijke resten die in koude lava waren verzegeld. Men schat dat ongeveer tweeduizend mensen in de straten van Pompeii zijn gedood. Vijf jaar later was het doek van zes bij drie meter klaar. De afgebeelde scène is in de stijl van de romantiek en ondanks de gruwel van de situatie is er geen chaos en drukte. Mensen kunnen conventioneel worden verdeeld in groepen, die elk hun eigen tragedie beleven tegen de achtergrond van een wereldwijde catastrofe. De centrale figuur van de compositie is een vrouw en een kind die op de stoep liggen; zij stellen de val van de oude wereld en het aanbreken van een nieuwe cultuur voor. Het schilderij bracht Briullov veel bijval in Europa, en thuis kreeg hij de bijnaam “de grote”. Zijn werk werd als meesterwerk erkend door Poesjkin, Gogol, Lermontov en keizer Nicolaas I, die het doek in de Hermitage plaatste.

“Burlaki aan de Wolga”, Ilya Repin

Beoordeling: 4.5

Ilja Repin zag de schippers voor het eerst aan het werk in 1869 op de Neva. Toen was hij nog student aan de Kunstacademie. Onder de indruk, overwoog de kunstenaar enige tijd om een doek over het onderwerp te schilderen. Uiteindelijk ging hij naar de Wolga, waar hij zijn schilderij begon met schetsen van het contrast tussen de ingehuurde arbeiders die de schuit trokken en de keurig geklede mensen die langs de Wolgakust flaneerden. Repin leerde ook de matrozen kennen, bekeek hen en kletste met sommigen van hen terwijl ze rustten. Gaandeweg herzag hij zijn oorspronkelijke idee en koos in plaats van sociale onrechtvaardigheid voor specifieke mensen en de diversiteit van hun karakters. Elk van de elf mannen die de zware vrachtschuit trekken heeft zijn eigen manier om uit te drukken hoe zij reageren op zo’n zwaar en duidelijk onderbetaald beroep. Sommigen kijken scheef, boos op hun onrechtvaardige lot, anderen zijn filosofisch kalm, één slaagt er zelfs in een pijp op te steken. Aan het hoofd van de schippers staat een oude, ervaren vakman die gemodelleerd is naar de priester Kanin, een nieuwe vriend van Repin. Het volledige tegendeel van de ruige en helaas norse informele leider kan worden beschreven als een jonge, blondharige man. Hij is ongeduldig en weet nog niet hoe hij met de riemen om moet gaan. In de verte is een sleepboot te zien als een symbool van technische vooruitgang; hij wordt verondersteld mensen te bevrijden van zware arbeid maar wordt om de een of andere reden niet gebruikt, misschien zijn de diensten van sleepboten veel goedkoper. Op het schilderij werd zowel verrukt als negatief gereageerd na de Petersburgse tentoonstelling van 1873. In creatieve kringen was het een belangrijke impuls voor het aanbreken van het tijdperk van het realisme.

“Boyarynya Morozova”, Vasily Surikov

Beoordeling: 4.5

Surkov, oorspronkelijk afkomstig uit Siberië, was al lang vertrouwd met zowel het Old Believerisme in het algemeen als Het verhaal van Boyarina Morozova. De vertegenwoordiger van de Nederlands adel en eigenares van een groot fortuin, de edelvrouw steunde actief de oud-gelovigen en verzette zich zo tegen de tsaar en patriarch Nikon. Als gevolg daarvan werd de vrouw gearresteerd en opgesloten in een klooster, waar ze stierf van de honger. Voor zijn foto koos de kunstenaar een moment waarop Morozova werd meegenomen voor ondervraging… Zodra de kraai het Chudov-klooster bereikt, houdt hij een hand geketend en demonstreert hij de oud-gelovige tweeledigheid, om iedereen te laten weten dat hij zijn geloof nooit zal verloochenen. Volgens Surkov begreep hij hoe hij het beste een compositie kon maken toen hij een kraai zijn vleugels zag spreiden in de witte sneeuw. Bovendien kostte het hem veel tijd om een geschikt beeld voor de hoofdpersoon te vinden, totdat hij bij toeval een oude gelovige met een zeer bleek gezicht op een begraafplaats zag… Het schilderij heeft een symbolische betekenis – het verbeeldt het bloedbad van de staat over niet-geloof in het algemeen, evenals de houding van mensen tegenover dit. De gezichten van de mensen langs de weg tonen een breed scala aan emoties, van afschuw tot spottende minachting. Het schilderij debuteerde op een reizende tentoonstelling en werd al snel aangekocht voor de Tretjakov Galerie.

“The Unknown”, Ivan Kramskoy

Beoordeling: 4.5

Dit unieke schilderij is algemeen bekend, maar het is ook een van de meest raadselachtige werken van Nederlands kunstenaars. Op dit doek, uitgevoerd in de stijl van het realisme, staat een jonge stadse fashionista, die haar kinderwagen over de Nevsky Prospect in Sint-Petersburg rijdt. Haar kleding is een combinatie van alles wat eind 19e eeuw in de mode was: een overjas van duur marterbont en zijden linten, een mof van dezelfde materialen, een fluwelen baret versierd met parels en een struisvogelveer en een massieve gouden armband om haar arm. Alle details van haar kleding zijn zorgvuldig en nauwgezet door de kunstenaar weergegeven. Het portret is geplaatst tegen een achtergrond van besneeuwde stadsstraten, maar die zijn licht vervaagd om de kijker niet af te leiden van het model. De rijk geklede dame behoorde niet tot de hogere klassen die specifieke stijlregels volgden. Het mysterie van haar identiteit is nooit door de kunstenaar onthuld, hoewel de meest populaire theorie is dat zij een voormalige boerin was die de vrouw werd van een rijke edelman, Bestuzhev. Het schilderij bevond zich in vele particuliere collecties, maar werd in de loop der jaren toegankelijk voor een breed publiek en werd verspreid over het land in de vorm van reproducties.

“Ochtend in een dennenbos,” door Ivan Shishkin en Konstantin Savitsky

Beoordeling: 4.5

Het is moeilijk om een foto te bedenken die beroemder is in Nederland dan die van een dennenbos met drie stoeipartijen in gezelschap van een moederbeer. Shishkin was een kunstenaar met een scherp gevoel voor de schoonheid van de natuur, niemand anders kon de wildernis van een dicht bos zo harmonieus en nauwkeurig weergeven. De schilder had een uitgebreide kennis van geologie en plantkunde, waardoor hij een meesterwerk kon creëren dat een eigen leven lijkt te leiden. Het reliëf van de schors van de omgevallen boom, en het struikgewas dat ernaast groeit, en de scheve dennen zijn ongelooflijk gedetailleerd getekend. Een diep ravijn in de verte is gehuld in een dikke mist, wat een gevoel van mysterie geeft aan een gebied met weinig of geen menselijke bewoning. Het hout waarvan de kunstenaar het landschap schilderde, bevindt zich op het eiland Gorodomlya, in de regio Tver. Het is interessant dat de onhandige en grappige beren niet door Sjisjkin werden geschilderd. Het werd geschilderd door Savitsky, een belangrijke kunstenaar van wilde dieren. Het doek werd voor het eerst tentoongesteld in 1889 op een reizende tentoonstelling, en werd later gekocht door Tretyakov. Een verzamelaar heeft Savitsky’s handtekening gewist omdat het idee volgens hem van Sjisjkin is. Het schilderij is al populair sinds de 19e eeuw, en tijdens de Sovjetperiode werd het zo veel gekopieerd dat het deel ging uitmaken van de populaire cultuur.